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2 comments | miércoles, octubre 26, 2005

5 comments | jueves, octubre 20, 2005


El ultimo disco de Antony and the Johnson´s, el conmovedor y fantástico y etc., I am Bird now tiene en la portada una sugestiva imagen que muestra a una mujer alojada en su cama junto a una rosas blancas que inquietan por detrás. Una imagen cargada de un provocador desasosiego, desconcertante.

El personaje de la fotografía es Candy Darling en una imagen capturada por Peter Hujar, fotógrafo que en su época se dedicó a documentar a través del retrato a las figuras más representativas de la escena underground del New York de los 60s y 70s. El titulo de la fotografía es Candy Darling On Her Deathbed (Candy Darling en su lecho de muerte) y nunca se había publicado.

Andy Warhol descubre a Candy en el 67 en un club llamado The Tenth of Always e inmediatamente es becada como modelo de pasarela en el Instituto de Estudios de Arte de Wharhol para convertirse pronto en su estrella favorita y protegida, se convierte para Wharhol en aquello que representa el sueño holliwodense, haciendo con ella los films: Flesh en el 68 y Women in Revolt en el 71.

Lou Reed escribe dos canciones para ella, dos temas inmortales, Candy says y Walk on the wild side, deslumbrado por su belleza y el enigma que su personalidad y figura encerraban.
Además de actuar en una de sus obras, “Small Craft Warnings”, Candy fue muy amiga de Tenesse Williams y llegó a actuar en teatro al lado de actrices como Jane Fonda y Sophia Loren.

A su muerte, la familia destruyó muchos de sus objetos y documentos personales más íntimos pero dos libros escritos por ella fueron publicados de manera póstuma: sus diarios bajo el título de Candy Darling en el ‘92 y My Face for the World to See: The Diaries, Letters, and Drawings of Candy Darling, Andy Warhol Superstar en el ‘97.
Candy Darling (Candy, le encantaban los dulces; Darling, porque un amigo de ella que vivía en West Village siempre le decía “Come on, let’s go, Candy, darling”) fue caracterizada por el actor Stephen Dorff en la película “I Shot Andy Warhol”que hasta poco transmitía el cable por Film and Arts e inclusive por Fox.


Candy muere precisamente sin deseos de seguir viviendo esa existencia que llamó irreal y vacía cuando decide no salir más de cama.
Los derechos por su diario ya han sido comprados por la hija de Judy Garland y se viene trabajando el libreto para llevar parte de su vida al cine.

Antony decide homenajearla no solo a través de la portada sino de algunas letras en el disco que bajo la impresión parecen ser totalmente autoreferenciales.
Desde cualquier lugar, es seguro, Candy says: I am a bird now.

5 comments | viernes, octubre 14, 2005



Médula: parte mas interna de un órgano o estructura.

(hiperventilación)

Medulla fue un retorno muy ambicioso dentro del marco hasta en el que ese momento se situaba la obra de Bjork.
El Medulla aparece en un contexto que supone abiertamente una manera de contrarrestar “el estúpido racismo y patriotismo estadounidense” luego del 11 de setiembre: “Fue mi manera de decir ¿que pasa con el alma humana? ¿Qué paso antes de que nos viéramos inmersos en problemas como la civilización, la religión y la soberanía?”.
El disco presenta solo voces humanas, canto tirolés, beatbox y música coral islandesa. (Una autentica pesadilla). Paralela a su creación se encuentra la gestación y el nacimiento de Isadora y el dolor de la transformación del cuerpo, el equilibrio y desequilibrio orgánico, la duplicidad: “tome verdadera conciencia de mis músculos y huesos. El cuerpo toma el control y hace cosas increíbles”.

Bjork asume una posición contraria y abierta acerca del equilibrio entre la familia y el trabajo, su interés trata de asumir un rumbo políticamente correcto; simpatía por la causa feminista y los derechos de la mujer, la edad, el tiempo de las cosas:

“Últimamente he observado que es más difícil para mi y mis amigas manejar las cosas que para los hombres. En los noventa había mucho optimismo: creímos que finalmente habíamos alcanzado la igualdad de derechos para mujeres y hombres… y de pronto todo se hizo trizas. Creo que es la primera vez, en las cientos de entrevistas que he concedido, que me monto en el tren del feminismo. En el pasado siempre intente cambiar el tema. Pero creo que es el tiempo de abordar estos asuntos……….. ¡Es posible que me vuelva feminista a mis años!"

Reflexiones de género y familia: “Es increíble como la naturaleza prepara a las hembras para encargarse de la gente y sin embargo es difícil para ellas hacerse cargo de si mismas.”

Su paso por el cine deja en ella un impacto negativo contrario al resultado sobrecogedor de Dancer in the Dark. Compone un primer soundtrack, Selmasongs, con una narrativa marcada por la composición del teatro y el cine clásico musical. Su pronunciamiento supuso pocas probabilidades de tenerla en otro film.

(sin embargo)

El 1 de julio en Kanasawa, Japón se estrenó Drawing Restraint 9, el primer proyecto fílmico de Mathew Barney, pareja de Bjork y padre de Isadora, artista multimedia con cuya pieza The Cremaster Cycle (1994-2002) una saga quintuple sobre la sexualidad humana y los procesos de creación elaborada a lo largo de 10 años y que le fijó un lugar dentro del espacio de las vanguardias recientes del videoarte electrónico hasta convertirse en el artista más joven homenajeado con una retrospectiva en el Museo Guggenheim (New York, 2003). Su trabajo combina la perfomance, la arquitectura, la escultura, la fotografia y la construcción de escenarios y anatomías a partir de modelos narrativos provenientes de la mitología, la biología y la geología.

5 años después de haber confesado que no representaría papel alguno en una próxima película, Bjork retorna nuevamente cumpliendo ambas funciones: la de componer una banda sonora y la de representar un personaje. No puedo pronunciar una opinión de la película porque aun no la he visto, lo que si vengo desde hace un tiempo escuchando es el soundtrack de Drawing Restraint 9 compuesto enteramente por Bjork y que contó además con la participación de los músicos más importantes del Japón y el mundo de la vanguardia actual. El contexto en el que se desarrolla el film y por ende el contexto de la banda sonora es la Bahía de Nagasaki en Japón.


(la tradición japonesa)

Este nuevo trabajo de Bjork inmediatamente se inscribe dentro de la tradición japonesa que en términos de vanguardia ha sido reinterpretada por Riuichy Sakamoto y recientemente por el asombroso trabajo de Shugo Tokumaru en una confluencia total entre la electrónica y el sonido ancestral para crear precisamente esa atmósfera originaria y primitiva, milenaria de culto y combate que es también emblemática y representativa del teatro Noh japonés.

Bjork ha contado con la colaboración de Mayumi Miyata, una de los músicos japoneses más importantes del mundo, que ha interpretado obras de John Cage y Toru Takemitsu; y Akira Rabelais, representante máximo de la vanguardia musical de Japón. Como contrapartida a la base más tradicional, Bjork cuenta también con sus habituales productores electrónicos; Mark Bell, Valgeir Sigursson y Leila.


El disco abre con Gratitud, tema que interpreta Will Oldahm con la melodía del arpa de Zeena Parking, ambos colaboradores habituales de Bjork, el primero colaborando en Medulla y la segunda en la mayoría de sus trabajos. Aquí el texto que interpreta Oldahm pertenece a una carta del general McArthur escrita en el año 1946 a un ciudadano japonés. Lo acompaña un coro infantil.

El segundo tema abre con un instrumento tradicional, el Sho, que proviene de las cortes imperiales del antiguo Japón y es ejecutado por Mayumi Miyata. Lo que a simple escucha parece ser el sonido de un pequeño organo o harmonio, es el conjunto de un grupo de diecisiete cañas estrechas y quince boquillas que permiten crear grupos de tonos simultáneos en perfecta armonía con el conjunto electrónico y una sofisticada manipulación del registro sonoro, mezclado asimismo con cantos guturales manipulados por la propia Bjork para componer Pearl en una suerte de ejercicio de recomposición orgánica, energética, similar a estados de retorno producidos por respiración holotrópica.
Aunque apenas Bjork aparece en tres temas, la exclusión de su voz no le resta apariencia al conjunto y se esconde en los temas más inverosímiles como un instrumento más de orquesta.

En Ambergris March se puede percibir e identificar el glockenspiel, instrumento que es una especie de xilófono cuyo sonido se asemeja al de las campanas por lo que en algunos contextos es llamado campanas orquestales, junto al clavecín cuyo sonido remite a los mejores momentos de La Novia en Japón y el combate que sostiene con O Rein Ishi en Kill Billl.
Bath, el cuarto tema, trae de regreso a Bjork con una delicada composición de piano que ejecuta Akira Rabelais y que nos entrega su voz a fondo en primer plano y seguida de un doble propio que se bifurca en continuidad con el último verso que da sentido a aquello que conforma un coro polifónico.
El tema que le sigue, Hunter Vessel es ejecutado solo por instrumentos de viento y un eje clásico que precede a Shimenawa, el primer tema que se compone en su totalidad por un solo tenso de Sho.
El disco en conjunto mantiene un delicado clima dramático que ha de representar la atmósfera y el argumento de la película que parece encerrar en Store, tema de Bjork y Leila, toda la síntesis del viaje que realiza la pareja a bordo de la embarcación (la pareja Barney-Bjork, protagonista del film).
La influencia del registro del teatro ritual Noh japonés aparece en Holographic Entrypoint bajo la interpretación de Shiro Nomura y la percusión de Shonosuke Okura exactamente minimalista, resultado de crótalos de madera que nos transporta al espacio mismo de una ceremonia ancestral. El cierre esta a cargo de la misma Bjork en Cetacea y nuevamente Mayumi Miyata ejecutando el Sho, atractivo y pieza principal de este trabajo en lo que califica como un retorno a la Antártica.

(punto aparte)

El disco, como resultado final es capaz de sacudirse de los convencionalismos y tendencias actuales de la fusión y la world music para concluir una vez mas como en todos los trabajos de Bjork en un punto aparte.



2 comments | miércoles, octubre 12, 2005

8 comments | sábado, octubre 08, 2005

Konono Nº1 - Congotronics  Cíclope Bizco

1. la cosa de acá

La irrupción étnica y de fusión electrónica no se ha topado con límites aún. Miki Gonzáles introduce un concepto a su música que denomina como se denomina su última producción, Etnotronics, fusión étnico electrónica; melodías serranas, selváticas y costeñas, dentro de las que se incluyen los ritmos afroperuanos y la música tradicional festiva. Una propuesta original más no sencilla y compleja porque involucra performance y un registro estético formal técnicamente sofisticado tanto en el manejo de lo electrónico y lo acústico (cajoneros, zapateadores, quenistas, violines, arpas, clarín cajamarquino y saxo, etc.) que conforman piezas únicas e irreproducibles dentro de su contexto, el de las perfomances que incluyen la participación de bailarines y músicos tradicionales en vivo además del registro y la grabación in situ de algunas piezas folklóricas.
La experiencia del disco es la de un viaje sin objeto ni sujeto; la experiencia del trayecto y el paisaje como punto de referencia.

Miki le atribuye el éxito a la bendición de su maestro espiritual, un lama tibetano; hay que aguarle la fiesta considerando que el éxito del disco se debe únicamente a la calidad de su trabajo y la producción y el esfuerzo por desarrollar un conjunto valioso y entrañable, precursor de género y digno de representación y orgullo.
Ahora espera trabajar con valses peruanos esperando completar futuros proyectos con el ánimo de construir la serie de música peruana remixada. Esperemos la bendición de su maestro espiritual.


2. la cosa de allá

África es la madre, desprende la raíz y su influencia a partir de comunidades que no distinguen sofisticación técnica ni límite alguno en la creación musical. Todo nace a partir de la idea de un solo instrumento como vehículo primario: la voz y su resonancia. Luego, todo lo que suena sirve y todo lo que suena vale. Hay que estar atentos y la influencia es también escenario de influencia y aquí tampoco conoce límites. La electrónica gana espacio, crece; la globalización (re)produce (las)identidades colectivas y hallazgos que implican conflictos y desarraigos. El manejo de lo tradicional y lo portátil altera el registro convencional del sonido, se genera un puente entre la tradición y la (pos)modernidad que le otorga a la electrónica el carácter interactivo de la pieza con el instrumento y quien lo ejecuta, cosa que algunos proyectos electrónicos han perdido al situarse literalmente frente al ordenador y construir una pieza en conjunto a partir de un registro ya establecido estructuralmente y que minimiza los riesgos y la improvisación para producir un resultado a secas, poco emotivo si de interacción se trata y compone.

konono_02 konono_01

Trabajando desde hace ya 25 años con el nombre de Orchestre Tout Puissant Likembé Konono nº 1, esta agrupación edita su primer disco como Konono nº 1 y lo denominan Congotronics. Todo un hallazgo. El aparato que aparece en la portada del disco es un likembé, suerte de piano que condensa pequeños hilos metálicos sujetos a una caja de resonancia que son tocados con los pulgares y que bota un sonido parecido al de la kalimba. El likembé es un instrumento original del Congo, del África Central específicamente y es el instrumento emblemático sobre el que se estructura la melodía y sobre el que además se organizan la instrumentación tradicional y la instrumentación forzada en la percusión que se vale de una serie bizarra de sonidos gesticulados desde aros y piezas metálicas de autos inservibles que delimitan el contraste con lo tradicional que se funde con voces amplificadas desde un megáfono para conformar temas que invitan al baile, a la contemplación y el regocijo hipnótico de su carácter primario. Cualquier espontáneo hijo de vecino es además bienvenido: alguien aparece por ahí silbando un pito que se acopla perfectamente en unos de los temas reivindicando su contenido tribal y rústico de acompasamiento.



Konono nº 1 pertenece a la tradición que deja detrás Fela Kuti, Ali Farka, Manu Dibango y Gabin Dabiré y que reúne además otras orquestas como la Baobab junto a los Antibalas Afrobeat Orchestra y los díscolos African Headcharge.


Konono nº 1 tiene puntos en común con la cosa de acá, los diferencia el uso de la tecnología y los acerca la danza, los coros y el uso de la tradición local. El uso precario en extremo de la tecnología que se vale no deja de ser complejo y sofisticado por su carácter mismo.

Konono nº 1 se instaura entre los pilares de la nueva música redefinida en un contexto valorativo que desentiende los conceptos actuales de la etnicidad y la fusión electrónica.